Due incontri hanno presentato, da prospettive diverse, una stessa questione di fondo: il rapporto tra identità culturale, passato e sguardo sul presente. Il dibattito con lo storico dell’arte Christian Caliandro, a partire dal suo libro Noi nel mondo (ed. Marsilio Arte), ha affrontato il tema della percezione all’estero dell’arte contemporanea italiana e delle dinamiche che regolano la sua rilevanza a livello internazionale. Secondo molti osservatori il nodo principale riguarda proprio la difficoltà dell’arte italiana contemporanea di ottenere una reale visibilità internazionale, nonostante la qualità degli artisti e la presenza di un’eredità culturale molto forte. Da un lato, infatti, gli artisti italiani crescono inevitabilmente a confronto con una tradizione imponente, che rappresenta una risorsa, ma può anche trasformarsi in un peso identitario difficile da superare.
Dall’altro lato, il sistema dell’arte oggi è completamente globalizzato: gli artisti lavorano dentro reti internazionali, collaborano con curatori di diversi paesi e si muovono in circuiti che non sono più nazionali ma transnazionali. In questo contesto, parlare di “arte italiana” in senso stretto diventa sempre più complesso. Il dibattito evidenzia anche il ruolo delle istituzioni pubbliche e private. Programmi come Italian Council, le iniziative del Ministero della Cultura e del Ministero degli Esteri, insieme a residenze e bandi per giovani artisti, rappresentano un sostegno importante. Tuttavia, nonostante questi strumenti, la percezione internazionale di una scena italiana contemporanea rimane ancora debole.
Per questo motivo si sottolinea la necessità di ripensare i modelli culturali tradizionali, sviluppando strumenti più flessibili e capaci di creare connessioni stabili con l’estero. In questo senso, realtà come la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo vengono citate come esempi virtuosi, grazie a programmi come lo Young Curators Residency Program, che favoriscono lo scambio tra curatori internazionali e artisti italiani emergenti.
In sintesi, il punto espresso è chiaro: l’arte contemporanea italiana ha talento e qualità, ma per emergere davvero a livello globale serve una strategia più coordinata, fondata su reti internazionali solide e su un sistema di promozione più efficace e continuativo.
Il ritorno di Vittorio Sgarbi, per la presentazione del suo ultimo lavoro, Più vicino al cielo. La montagna nell’arte (ed. La Nave di Teseo), è stato accolto dal pubblico in sala con un applauso lungo e affettuoso. Nonostante le recenti difficoltà di salute è impossibile dimenticare il ruolo fondamentale svolto dal critico nella divulgazione, la sua capacità di portare l’arte fuori dagli spazi specialistici e dentro il linguaggio della televisione e della vita quotidiana.
L’immagine di copertina del libro è il celebre dipinto di Caspar David Friedrich, Il viandante sul mare di nebbia: una figura di spalle che contempla l’immensità del paesaggio montano. Sgarbi individua nella montagna non soltanto un’esperienza fisica e concreta, ma anche spirituale. L’espressione “più vicino al cielo” indica proprio la tensione verso l’alto, verso l’infinito e la trascendenza: la montagna è realmente il luogo dove lo sguardo cambia prospettiva e si apre a una percezione diversa dello spazio. L’ascesa non è soltanto geografica, ma interiore, e costringe l’uomo a misurarsi con il limite, con il silenzio, con la vastità. Per questo l’arte (esempi il pittore Giovanni Segantini, il fotografo Luigi Ghirri…)ha spesso trovato nella montagna un soggetto ideale, capace di raccontare emozioni, paure, desideri e tensioni dell’anima.
Due approcci differenti — quello di Christian Caliandro orientato a una lettura realistica del sistema dell’arte contemporanea, e quello di Vittorio Sgarbi di taglio più simbolico e interpretativo — ma accomunati dall’idea che l’arte continui a essere uno strumento fondamentale per ridefinire il rapporto tra linguaggi creativi e spirito umano.
Anna SCOTTON
annas@vicini.to.it
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